![\"Kunstpreis](\"https:\/\/sparkassenstiftungen-ka.de\/kulturstiftung\/wp-content\/uploads\/sites\/3\/2023\/10\/kunstpreis-2023-siegerbilder.jpg\")
Die Verleihung der Preise erfolgte durch den stv. Vorsitzenden des Verwaltungsrates der Sparkasse Karlsruhe, Oberb\u00fcrgermeister Johannes Arnold aus Ettlingen, im Rahmen der Vernissage.<\/p>\n\n\n\n
Rund 500 kunstinteressierte G\u00e4ste und ausstellende K\u00fcnstler:innen konnte der Vorstandsvorsitzende der Sparkasse Karlsruhe, Direktor Michael Huber, zur Er\u00f6ffnung der Ausstellung begr\u00fc\u00dfen. Die Freude \u00fcber die erste gro\u00dfe Pr\u00e4senzausstellung nach der dreij\u00e4hrigen Corona-Pause war gro\u00df. Mit Spannung wurde auch das Motto f\u00fcr den Kunstpreis 2024 erwartet. Es lautet: Vorh\u00e4nge. \u00d6ffnen und verschlie\u00dfen, zeigen und verbergen. Kreiert wurde das neue Thema durch die Kunstpreis-Jury. Deren Vorsitzende, Professorin Pia M\u00fcller-Tamm, hielt auch in diesem Jahr die Laudatio und Einf\u00fchrung in die Ausstellung.<\/p>\n\n\n\n Ohne Masken<\/em><\/strong><\/p>\n\n\n\n Ohne Masken \u2013 welches Thema liegt n\u00e4her nach den Erfahrungen der Pandemie, nach all den Einschr\u00e4nkungen und Distanzierungen, die unser Leben fast drei Jahre lang ver\u00e4ndert haben! Ohne Masken \u2013 in diesen zwei Worten schwingt ein drittes mit: das W\u00f6rtchen \u201eendlich\u201c. Und so gilt heute: Endlich k\u00f6nnen wir uns wieder \u00f6ffentlich treffen, endlich kann diese Ausstellungser\u00f6ffnung der Sparkasse wieder stattfinden \u2013 endlich ohne Masken. Aber das Thema des diesj\u00e4hrigen Kunstpreises ist nicht nur dem aktuellen Anlass geschuldet; es verweist vielmehr auf ein genuines Thema der Kunst- und der Kulturgeschichte im globalen Ma\u00dfstab. Es bezieht sich auf den engen Zusammenhang von Maske und Gesicht, auf das Doppelspiel von Zeigen und Verbergen, von Verh\u00fcllen und Enth\u00fcllen, das sich in rituellen Praktiken und in kolonialen Kontexten ebenso findet wie im antiken Theater oder bei den Maskeraden des Karnevals. Die Ambivalenz von Gesicht und Maske zeigt sich unmittelbar dort, wo das einge\u00fcbte Zusammenspiel von lebendigem Blick und Mimik unterbrochen wird, wo das Gegen\u00fcber hinter einer Maske unsichtbar und die Interaktion gest\u00f6rt wird. Der kulturelle Gebrauch der Maske sowie die Wirkung auf den Tr\u00e4ger und sein Gegen\u00fcber sind so unterschiedlich wie die Maskenobjekte selbst.<\/p>\n\n\n\n Masken haben Schutzfunktion, so die FFP2-Maske, die Gasmaske, die Maske als Teil der Ausr\u00fcstung von Handwerkern oder Feuerwehrleuten. Das Spezifische der Corona-Maske besteht darin, dass sie das Gesicht des Tr\u00e4gers optisch zweiteilt; anders als bei den Ganzmasken bleibt der Blickkontakt zum Gegen\u00fcber bestehen, er l\u00f6st sich aber von der Gesichtsmimik und ver\u00e4ndert die Kommunikation, die aber nicht vollst\u00e4ndig unterbunden wird.<\/p>\n\n\n\n Kunstmasken sind dagegen Objekte aus Gips, Holz, Leder, Seide, Pailletten und einer Vielzahl anderer Materialien; sie k\u00f6nnen das Gesicht komplett verh\u00fcllen oder teilweise bedecken, und sie sind Tr\u00e4ger unterschiedlichster Bedeutungen. Als Totenmaske haben sie Memorialfunktion; sie werden vom Gesicht des Verstorbenen abgenommen, aber nicht am K\u00f6rper getragen. Die Masken auf der B\u00fchne, sei es im antiken oder im asiatischen Tanz-Theater, verh\u00fcllen das ganze Gesicht und geben ihm einen einzigen, unver\u00e4nderlichen Ausdruck; sie r\u00fccken ihre Tr\u00e4ger durch die Starrheit der Maske in Distanz und unterbinden die Identifikation der Zuschauer mit den Darstellern. Die Halbmaske, wie wir sie z.B. aus dem venezianischen Karneval kennen, war dagegen ein Element in einem koketten erotischen Spiel von Zeigen und Verbergen zwischen den Geschlechtern.<\/p>\n\n\n\n Neben den zahlreichen Formen der Kunstmasken existieren ebenso viele immaterielle Masken, also Masken im \u00fcbertragenen Sinn, bei denen das Gesicht selbst zur Maske wird. Dies belegt schon die Etymologie, nach der das lateinische persona<\/em> sowohl die Maske des Schauspielers als auch die Rolle eines Menschen im Theater und im Leben umfasste. Die heutigen sozialen Masken werden durch gesellschaftliche Konventionen geformt, sie verdecken Emotionen und Affekte und verleihen ihrem Tr\u00e4ger eine bestimmte Rolle. In diesem Sinne k\u00f6nnen die Mimik, aber auch Tattoos und vor allem die Schminke zur Inszenierung des Gesichts als Maske eingesetzt werden. Hier setzt ein klassisches Thema der feministischen Kritik an, nach der beide Geschlechter als Rollentr\u00e4ger im gesellschaftlichen Raum agieren. Wie auf der B\u00fchne des Theaters wird Weiblichkeit in diesem Raum unter anderem mit Hilfe von Schminke inszeniert; das Gesicht wird zur lebendigen Maske, die die gew\u00fcnschte oder die imaginierte Rolle einer Person im wirklichen Leben widerspiegelt.<\/p>\n\n\n\n Gesicht und Maske sind nicht voneinander zu trennen, sie stehen in einem historisch und kulturell sich fortw\u00e4hrend wandelndem Verh\u00e4ltnis zueinander. Diese flexible Beziehung spiegelt sich auch in den Beitr\u00e4gen zum diesj\u00e4hrigen Kunstpreis. Wenn wir nun \u00fcber die k\u00fcnstlerische Reflexion des Doppelspiels von Maske und Gesicht in den hier versammelten Kunstwerken sprechen, so gilt es immer auch das jeweilige k\u00fcnstlerische Medium der Darstellung mit zu bedenken. Ob sich ein K\u00fcnstler f\u00fcr eine sachliche Gegenstandstreue in der Malerei entscheidet oder eine K\u00fcnstlerin ihr Bild in Rasterpunkte aufl\u00f6st oder die \u00c4sthetik fotografischer Bilder imitiert \u2013 die Wahl des Mediums macht immer auch eine Aussage zu Maske und Gesicht und ihre Interaktion mit dem Betrachter vor dem Bild.<\/p>\n\n\n\n Nat\u00fcrlich werden Sie bei Ihrem Rundgang durch die Ausstellung zahlreiche dysfunktionale Corona-Masken entdecken \u2013 das Motiv ist allzu naheliegend: So zeigt uns Gisela Pletschen<\/strong> in ihrer Arbeit unter dem Titel An den Nagel geh\u00e4ngt (?) <\/em>ein B\u00fcndel der t\u00fcrkisblauen Alltagsmasken, bei Jan Jansen<\/strong> finden sich zwei Masken gleichen Typs als kaum sichtbare \u00dcberbleibsel im Stra\u00dfenraum, w\u00e4hrend Isabell Heusinger<\/strong> die Maske an das Ge\u00e4st eines entwurzelten Baumes an einem einsamen Strand h\u00e4ngt. Marie Alth\u00f6fer<\/strong> synthetisiert die Schaumkronen der Wellen des Meeres mit einer F\u00fclle von wei\u00dfen Corona-Masken, die wiederum der Gegenstand einer Maskenakkumulation von Marion M\u00fcller<\/strong> sind. Ilenia Lanari<\/strong> kombiniert unter dem Titel Drop your masks <\/em>zwei Schutzmasken \u2013 eine Gas- und eine FFP2-Maske \u2013, mit einer angsterf\u00fcllten Geste. Ulrich Sekingers<\/strong> melancholisches Bild zeichnet sich durch eine klassisch-ausbalancierte Komposition mit wenigen symbolhaltigen Elementen aus: die Gliederpuppe als lebloses Double des Menschen, der Kompass, der Orientierung schafft, die Literatur, die Erkenntnis stiftet, sowie die B\u00fcchse der Pandora und der Rabe als Zeichen der Bedrohung, die in der Corona- und der Totenmaske gleicherma\u00dfen aufscheint.<\/p>\n\n\n\n Bemerkenswert ist auch der Beitrag von Rudi Beutinger und<\/strong> Gudrun Staiger<\/strong>, deren Arbeit Triage <\/em>von der Dialektik der Maske zwischen Zeigen und Verbergen handelt: Dargestellt sind acht zu einem Bild arrangierte K\u00f6pfe, die allesamt durch den begleitenden Text als Whistleblower identifizierbar sind. In Umkehrung der realen Gegebenheiten ist die Corona-Maske \u2013 also der Bereich des Gesichts, wo sich die Stimme des Menschen artikuliert \u2013 transparent, w\u00e4hrend alle anderen Bereiche der Portr\u00e4ts mit opaker wei\u00dfer Farbe bedeckt sind.<\/p>\n\n\n\n Der Schleier ist ein vielfach interpretierbares Zeichen, mit dem die variablen Spielregeln von Verh\u00fcllung und Enth\u00fcllung kulturspezifisch inszeniert werden. Ammelie Wessels<\/strong> und Heino Karschewski<\/strong> setzen in ihren Bildern den Schleier als Element der Blickregelung ein. Ammelie Wessels zeigt ein einzelnes magisches Auge, das den Betrachter aus dem vom Schleier halb verdeckten Gesicht anblickt; die Protagonistin unterl\u00e4uft in der erotisch aufgeladenen Geste die strengen Regeln des Schleiertragens in islamischen L\u00e4ndern. Die Dargestellte in Heino Karschewskis Gem\u00e4lde ist dagegen halb verschleiert und schaut den Betrachter direkt an; die Art, den Schleier zu drapieren und die Technik, die historische Freskomalerei imitiert, weisen das Bild dem christlichen Kulturkreis zu.<\/p>\n\n\n\n Das Gesicht als blo\u00dfgelegte Fl\u00e4che des K\u00f6rpers, durch die Gef\u00fchle und Affekte nach au\u00dfen dringen, als Fl\u00e4che, in der eine osmotische Beziehung zur Welt hergestellt wird: Dies ist das Thema von Carmen von Seckendorffs<\/strong> faszinierender Zeichnung In Bewegung. <\/em>Hier werden die Grenzen der beiden Profildarstellungen ge\u00f6ffnet, es zeigen sich Innenbilder des Kopfes, die mit der Au\u00dfenwelt in einer fluiden Bewegung verbunden sind. Das lateinische Wort persona <\/em>bezeichnet \u00fcbrigens auch das Hindurcht\u00f6nen der Stimme des Schauspielers durch die Maske.<\/p>\n\n\n\n Danil Becker<\/strong><\/a> ist ein K\u00fcnstler dieser Ausstellung, der die Randbezirke des Themas Ohne Maske<\/em> auslotet. \u00dcber sein gro\u00dfformatiges Gem\u00e4lde Doris <\/em>hat die Jury am l\u00e4ngsten diskutiert, was bekanntlich immer ein gutes Zeichen ist. Das Bild zeigt uns den Blick in die Raumecke einer Gastronomiek\u00fcche. In zentraler Position befindet sich eine weibliche Figur, jedoch kein kunstvoller Akt, sondern ein nacktes Wesen mit monstr\u00f6sem Ges\u00e4\u00df, das sich auf dem Sp\u00fcltisch kr\u00fcmmt, den Kopf gegen die gekachelte Wand gepresst. Ein Ort der Reinigung und doch ein starkes Gegenbild zu allen Reinheitsgeboten, die die Kunst schon lange verabschiedet hat, ein gut gemachtes Werk, ein Inbild des allt\u00e4glichen Wahnsinns in maskenloser Direktheit.<\/p>\n\n\n\n Weiblichkeit als Maskerade \u2013 dieser Topos scheint in einer ganzen Reihe von Werken auf. So zeigt uns Silke Aurora<\/strong> in ihrem Gem\u00e4lde Zwiegespr\u00e4ch <\/em>eine weibliche Figur mit einem plastisch ausformulierten Gesicht, die ihr Konterfei als flaches Bild in ihrer Hand h\u00e4lt. Das Gesicht als Bild und Maske, die von der Person abgel\u00f6st werden k\u00f6nnen, ist auch das Thema des Gem\u00e4ldes Abgeschminkt <\/em>von Utaellamarie Peter<\/strong>. Der Akt des Malens und des Schminkens wird von Mandy Kunze<\/strong> in eins gesetzt: Farbige Balken, die sie wie eine Kriegsbemalung auf ihre Wangen aufgetragen hat, kennzeichnen auch ihre Pinselarbeit in den anderen Bereichen des Bildes, sodass Weiblichkeit im Bild durch einen doppelten Sch\u00f6pfungsakt hergestellt wird: durch die Schminke und durch die Malerei. End of disguise \/ Ende der Verkleidung<\/em> nennt Angelika Weinek\u00f6tter<\/strong> ihr Bild einer jungen Frau im Bademantel, die ihre Schminke und damit ihre weibliche Maskerade mit einem Papiertuch entfernt.<\/p>\n\n\n\n Der pr\u00e4gnanteste Beitrag zu diesem Themenbereich ist das Doppelportr\u00e4t der Rita Hayworth von Theodor Speckert<\/strong>. Als Gilda in der Titelrolle des erotischen Filmklassikers posiert sie einmal mit Augenmaske, einmal ohne, doch mit oder ohne Maske: Hier geht es nicht um wahr oder falsch, denn Gilda alias Rita Hayworth ist ganz und gar Kunstfigur, eine durch Schminke, Kost\u00fcm und Requisiten raffiniert gebaute Attrappe, die in dieser Aufmachung als Sexsymbol in die Film- und in die Bildgeschichte eingegangen ist.<\/p>\n\n\n\n Kommen wir zu den Preistr\u00e4gern. W\u00e4hrend in der Vergangenheit die drei Werke oft eine in sich stimmige Gruppe gebildet haben, so erscheint der Dreiklang auf der Wand hinter mir in diesem Jahr eher dissonant. Doch die \u00dcberzeugungskraft der Einzelwerke hat die Jury dazu veranlasst, mit Frank H\u00fcgle, Jaime Makinde und Karen Schuster drei eigenwillige und starke Positionen auszuzeichnen. <\/p>\n\n\n\n L\u2019enfer, c\u2019est les autres \/ Die H\u00f6lle, das sind die anderen <\/em>\u2013 so lautet der Titel der lebensgro\u00dfen fotografischen Darstellung einer Frau in schwarzer Burka vor schwarzem Bildgrund. Man sp\u00fcrt, Frank H\u00fcgle<\/strong> kommt aus der visuellen Kommunikation, er wei\u00df um die Wirkung der einfachen, schlagkr\u00e4ftigen Bilder. Ein solches ist ihm mit der Burkatr\u00e4gerin gelungen. Sie tritt dem Betrachter auf Augenh\u00f6he gegen\u00fcber, sie will ihn direkt ansprechen und mit ihm kommunizieren. Wir wissen, dass die Protagonistin des Bildes eine ansonsten westlich gekleidete Frau ist, die nur im Auftrag des Fotografen die Burka tr\u00e4gt. Gezielt durchbricht sie die strenge Kleiderordnung des Islam durch den Sehschlitz vor den Augen; das einzig Lebendige in diesem formal geschlossenen Bild ist der Blick. Blickend \u00fcberwindet sie die Distanz zwischen der k\u00f6rperfeindlichen Inszenierung und uns, den westlichen Betrachtern. Frank H\u00fcgle setzt gegen die starre islamische Ordnung eine subtile Gegenkraft: Es ist der Blick, der ironisch, sp\u00f6ttisch oder auch frech das Gegen\u00fcber adressiert. Das Bild ist ein elegantes wie subversives Pl\u00e4doyer f\u00fcr die ungreifbare Kraft des Sehens selbst. Ich gratuliere zum dritten Preis.<\/p>\n\n\n\n Jaime Makinde<\/strong> erh\u00e4lt den zweiten Preis f\u00fcr Strahlendes Feld, <\/em>ein inhaltlich hochkodiertes Gem\u00e4lde zum Ukraine-Krieg. Im Zentrum des monumentalen Werkes steht Putin als R\u00fcckenfigur in der Aufmachung eines slawischen Urmenschen mit dem Kreuz der russisch-orthodoxen Kirche als Insignium seiner Macht. Zur linken ein archaischer Thron mit der Z-Fahne, dem russischen Symbol f\u00fcr die Zustimmung des Volkes zum Krieg des Pr\u00e4sidenten. Dessen Machtbasis bildet ein m\u00e4nnliches Kartell aus Oligarchen und anderen Gefolgsleuten, die die Rampe des Pr\u00e4sidenten st\u00fctzen. Putin blickt auf ein Feld von Toten, auf dem Bl\u00fcten in den Farben der Ukraine wachsen. Die hellen Streiflichter, die ihre Kegel auf Putin und die Rampe werfen, repr\u00e4sentieren die Weltgemeinschaft, die Licht ins politische Dunkel bringt. Und die Maske: Sie steht hier unzweideutig f\u00fcr die L\u00fcge, das Falsche in der Selbstdarstellung des russischen Pr\u00e4sidenten. Jaime Makindes Kunst sch\u00f6pft aus den Quellen der Muralisten, die eine starke Stimme in der lateinamerikanischen Kunst des 20. Jhs. bis in die Gegenwart sind. Er praktiziert eine eminent politische Malerei, die \u2013 und das ist in unserem Kontext hervorzuheben \u2013 auf die ver\u00e4ndernde Kraft der Kunst setzt und der Bedeutung von Bildern im \u00f6ffentlichen Diskurs vertraut. Ich gratuliere Jaime Makinde zu diesem h\u00f6chst eindrucksvollen zweiten Preis.<\/p>\n\n\n\n Kommen wir zum ersten Preis, den Karen Schuster<\/strong> f\u00fcr Selbstbildnis in Blau <\/em>erh\u00e4lt. Ein stilles, ein einfaches Bild, so scheint es auf den ersten Blick, doch bei n\u00e4herer Betrachtung erkennen wir, wie klug die K\u00fcnstlerin verschiedene Ebenen des Bildlichen kombiniert. Das Motiv der mit leichter Drehung \u00fcber die Schulter aus dem Bild blickenden jungen Frau ist angelehnt an Jan Vermeers M\u00e4dchen mit dem Perlenohrring <\/em>aus dem Mauritshuis in Den Haag; <\/em>die K\u00fcnstlerin bezieht sich damit auf eines der beliebtesten, meist reproduzierten Bilder der neueren Kunstgeschichte. Gleichzeitig interessiert sich Karen Schuster f\u00fcr die Menschen-Bilder, die die sozialen Medien reproduzieren, f\u00fcr ihre Gl\u00e4tte und ihre Makellosigkeit, die der Ambition folgen, einerseits \u00f6ffentlich sichtbar zu sein und andererseits nicht aus der Masse hervorzustechen.<\/p>\n\n\n\n Dies ist der Hintergrund, vor dem das Selbstbildnis in Blau<\/em> entstanden ist. Das Besondere ihres Bildes ist die Kontrastfolie, die sie gegen das historische Gewicht des Meisterwerks und das Bildregime der sozialen Medien einsetzt, und dies in einem ganz w\u00f6rtlichen Sinn. Denn Karen Schuster hat eine zweite Ebene \u00fcber das Bildnis gelegt, eine transparente, aber vielfach geknitterte Folie. Schon die malerische Wiedergabe dieses schillernden, im Licht changierenden Materials ist ein Kunstst\u00fcck, das unsere Bewunderung verdient. Aber es ist vor allem der pr\u00e4gnante Bildgedanke, der die Jury fasziniert hat: Der Blick der Protagonistin aus dem Bild ist nicht unmittelbar und direkt, die Blickachse zum Betrachter ist durch die Folie verschleiert, seine Wahrnehmung wird mit den Mitteln der Kunst subtil gest\u00f6rt, und wir machen hier die bekannte Erfahrung, dass genau jene Bilder uns besonders anziehen, die sich unseren Blicken ein St\u00fcck weit entziehen. Mit diesem Wechselspiel von Entzug und Sichtbarkeit, von Zeigen und Verbergen spielt Karen Schusters Selbstbildnis in Blau<\/em>. Es handelt vom eingeschr\u00e4nkten Sehen, vom Sehen unter speziellen Bedingungen. Das Auge des Betrachters ist keine neutrale Apparatur, die Sachverhalte nur registriert; vielmehr ist das Sehen eine komplexe Sinnesleistung, die mit Erinnerung und mit Vor-Wissen zu tun hat. Wir als Betrachter sind von daher nicht statisches Gegen\u00fcber des Bildes, sondern wir sind als aktive Mitgestalter im Prozess der Wahrnehmung gefordert und beteiligt. Ich gratuliere Karen Schuster zum wohlverdienten ersten Preis!<\/p>\n\n\n\n Pia M\u00fcller-Tamm<\/p>\n\n\n\n![\"Kunstpreis](\"https:\/\/sparkassenstiftungen-ka.de\/kulturstiftung\/wp-content\/uploads\/sites\/3\/2023\/10\/kunstpreis-2023-preistraeger.jpg\")
Die Ausstellung in einem Video<\/h3>\n\n\n\n
![\"\"](\"https:\/\/sparkassenstiftungen-ka.de\/kulturstiftung\/wp-content\/uploads\/sites\/3\/2023\/10\/kunstpreis-2023-titel-yt-1024x575.jpg\")
<\/a>Laudatio und Einf\u00fchrung in die Ausstellung von Frau Prof. Dr. Pia M\u00fcller-Tamm:<\/h3>\n\n\n\n
Die Ausstellung in einem Video<\/h3>\n\n\n\n
![\"46.](\"https:\/\/sparkassenstiftungen-ka.de\/kulturstiftung\/wp-content\/uploads\/sites\/3\/2023\/05\/kunstpreis-2023-titel-yt.jpg\")
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